肖恩·斯库利（Sean Scully，1945年6月30日—）是一位爱尔兰出生的美国艺术家，既是战后抽象主义绘画的重要人物，也是一位摄影师、版画家和雕塑家。他1975年从伦敦移居纽约，帮助引领了从最小主义到情感抽象主义的转变，放弃了最小主义的减少辞汇，转向艺术中的隐喻和精神性。斯库利曾两次获得英国特纳奖提名，他的作品被超过150个国际主要博物馆收藏，并在世界顶级博物馆和艺术机构进行广泛巡展。他的许多著作和讲座被收录在2016年的《Inner: The Collected Writings and Selected Interviews of Sean Scully》一书中。哲学家和艺术评论家阿瑟·丹托将他评价为「属于我们这个时代重要的油画大师之一」。
肖恩·斯库利（Sean Scully)是战后抽象主义绘画中一位重要的国际艺术大师；他1945年出生于爱尔兰都柏林，1975年移民美国，创作和生活于美国纽约、西班牙巴塞罗那和德国慕尼黑。他曾于1989年和1993年两次获得英国『特纳奖』提名，常年受邀在世界顶级博物馆和艺术机构广泛巡展，作品被超过150个国际主要博物馆收藏。肖恩·斯库利被哲学家和艺术评论家阿瑟·丹托评论为「属于我们这个时代重要的油画大师之一。」
肖恩曾就读于克罗伊登艺术学院与纽卡斯尔大学，1973年获哈佛大学研究生奖学金，1983年获古根汉姆奖金；2003年荣获波士顿麻省理工大学和都柏林爱尔兰国立大学的荣誉学位。斯库利现任普林斯顿大学客座艺术教授、慕尼黑造型艺术学院教授；并在纽约切尔西艺术设计学院、伦敦金匠艺术设计学院、纽约帕森学院任教。
肖恩在艺术方面亦有重要著述，他与爱尔兰著名戏剧家塞谬尔。贝克特和U2乐团主唱Bono建立了深厚友谊。Bono曾经形容肖恩为「灵魂的瓦工」，他说：「我很幸运能与肖恩。斯库利的作品生活在一起。它们无庸置疑是音乐的、富有诗意的。」
肖恩。斯库利曾广泛巡展于世界各大美术馆，包括纽约大都会博物馆、西班牙米罗基金会、华盛顿史密森博物馆、圣保罗Pinacoteca博物馆、义大利那不勒斯美术馆、德国路德维希博物馆、美国费城艺术博物馆、苏格兰国家博物馆和瑞士伯尔尼美术馆等等。
他的作品被150家重要公共博物馆收藏，其中包括：纽约当代美术馆（MoMA）、伦敦泰特美术馆、华盛顿国家美术馆、马德里雷纳索菲亚博物馆、纽约古根汉姆博物馆、墨西哥现代美术馆、澳大利亚国家美术馆、英国文化协会、日本名古屋市立美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、美国德州福斯沃斯博物馆、华盛顿菲利普陈列馆、伦敦维多利亚阿尔伯特博物馆、悉尼Power当代艺术中心、华盛顿史密斯美术馆、洛杉矶艺术博物馆、都柏林爱尔兰现代艺术博物馆、委内瑞拉加拉斯当代艺术博物馆、休斯顿美术馆、和澳大利亚堪培拉国家美术馆等等。
学生时代，肖恩·斯库利主要创作肖像等具象绘画，从二十世纪七十年代开始慢慢转向抽象。「因为抽象更加普世化。」与其具体地介绍某种事物「在中国是什么样，在伦敦是什么样，在莫斯科是什么样」，他更希望找到一种放之四海而皆准的，普世共通的真实。因此，就要超越形象的限制。
1970年，肖恩·斯库利到摩洛哥旅行，被当地的景象吸引。那里所有的一切都是几何图案的，从屋子、床、椅子，到树木、天边的界限，都是几何图案的。但这又有别于工业生产方式影响下的标准化几何形状，也与蒙德里安硬板板的直角线条完全不同。肖恩·斯库利被这种富有韵律的，有序又有流动性的图案吸引住了。
肖恩·斯库利的创作形式包括油画、水粉和水彩画、素描、摄影和雕塑。澳大利亚国家美术馆馆长布莱恩·肯尼迪说：「肖恩·斯库利是战后抽象主义绘画中重要的一位国际艺术大师。他的作品受到马克·罗斯科的影响，为几何线条的构成主义作品带来绘画笔触的感性艺术气息。斯库利的作品包括以排列组合重复出现的方形和矩形图案，以及棋盘形的图案。」
他曾出版过众多图录和著作，并被翻译成多国语言，包括2006年出版的《肖恩·斯库利选录著作：抗拒与坚持》。
斯库利被认为发展了马蒂斯、蒙德里安、罗斯科的艺术传统，融合了欧洲油画传统和美国抽象主义的鲜明个性。抽象有一种催眠性的魅力，蕴藏着真相一般的爆炸性力量。斯库利的成功被认为是其对抽象主义绘画，有一种浪漫式的坚信。斯库利说，「我想我总是想为近乎宗教式的原因创作艺术，就像马蒂斯的方式。马蒂斯曾说，我对生活有种宗教式的感情。并不是说他信教。我有相同的感觉。我希望用精神的信仰，引导精神性的艺术创作，我想做出真正打动人心的作品。」为此，斯库利在介绍他自己时说的都是：「我是一个艺术家，也是自己信仰的布道者。」
不过斯库利的艺术之路并非从抽象起步。学生时代，肖恩·斯库利主要创作肖像等具象绘画。斯库利说他当时已经创作了很多美丽的素描和油画作品。但是从20世纪70年代开始慢慢转向了抽象，「我觉得抽象艺术有一种催眠性的魅力。它让我觉得没有包袱，因为我是一个很有包袱的人。」继而，从网格再到采用条纹、条带和油漆块状颜料，富有韵律的矩形色块成为其创作的一大特色，斯库利成为当前世界抽象艺术的代表人物之一，他的创作被称为「蕴藏着真相一般的爆炸性力量」。
在该展策展人菲利普·多德看来，斯库利之所以能在抽象艺术领域站稳脚跟在于其发展了马蒂斯、蒙德里安、罗斯科的艺术传统，融合了欧洲油画传统和美国抽象主义的鲜明个性，「肖恩的创作传承了西方的传统，作品受到马蒂斯、蒙德里安、罗斯科的影响，但又注入了新的生命，为此肖恩的创作与蒙德里安他们又有着本质的不同，」菲利普·多德指出。
与此同时亚洲文化对斯库利的影响也很大，他对禅学、老子《道德经》和理论物理学都很有研究，35年来他一直练习空手道，感受其蕴涵的哲学思维的影响。他很喜欢中国画的感觉，「它的样子看起来很谦逊，但是实则非常有力量。我试图创造出非常简单的事物但同时赋予其深切的情感，并且我认为对我而言这样才能创作出最有深度、最动人的作品。」
上世纪70年代，斯库利开始创作网格式的绘画作品，对他而言这仿佛是场「越狱」，摆脱了其早期生活和具象绘画的禁锢。不过这些网格绘画中仍有具象感，还是能透露出城市具象的蛛丝马迹。但在后来的作品中，他放弃了这种肖像感，采用条纹、条带和油漆块状颜料，探索色彩中情感穿透力的潜能。
斯库利透露上世纪70年代末创作这些极简主义的作品中他用了一个秘密武器——胶带，「主要是为了让颜料更有条纹感，时而平坦，时而突起。当我把胶带揭开时，会发出一种黑色的嗡嗡声，就像俳句诗歌和禅学经义一样。」不过此后斯库利在这段胶带机械式创作后，回归到了自由写意绘画。
20世纪80年代，肖恩·斯库利创作了颠覆极简主义陈规的名作《后与前》、《多利克》系列以及抒情油画作品《路线》系列。20世纪90年代中期以来，肖恩·斯库利专注创作了《光之壁》系列、八米长的大幅面绘画《夜与日》等作品。2015年，斯库利专门为中国《随心而行：肖恩·斯库利艺术展，1964-2014 伦敦|纽约》中国展览创作了一件大型雕塑《中国堆砌》。
富有韵律的矩形色块是斯库利的代表作。他1996年的作品《黑白白》，以色调丰富、笔触细腻的矩形色块呈现两种不同的结构，对比强烈。主题依然是他上世纪90年代热衷的「窗口」。「我认为窗子是人类最美好的发明之一，有助于我们了解生活的双重性。这幅画中的色彩运用带着憔悴和惆怅，光线不断减弱，呈现一种诗意的对立。」斯库利崇尚以简约逻辑和超简约画法呈现作品，并直言所有为简单而简单、为复杂而复杂的创作都不是他感兴趣的，他希望通过任何人看到就能理解的绘画语言，让作品直达潜意识，对此类作品的解读永不过时。
斯库利的大型雕塑作品《中国堆砌》（长15.24米、宽6.1米、高3.66米），这是由几只黑色集装箱似的空钢壳组成。他此前的不少巨型石头雕塑都是现有油画的三维呈现，「我听说在中国代表天堂的颜色是黑色，我的作品中也有很多黑暗元素，可能比较默契。原本打算用中国的黑青石来制作，受场地承重所限，便改用中国制造的金属材料还原轮廓，我是一个『投机者』。」
肖恩·斯库利对边界和边界融合似乎非常着迷，「边界」是他所有作品创作的主题。世界如何形成各种边界？如何划分为不同国家，国家如何划分为不同城市，城市又如何划分为不同建筑，这些边界都会对人际关系产生影响，包括群体和个人。「我一直都对边界很感兴趣，特别是这些边界如何凸显、隐藏它们的历史，或是特别动荡的形成过程，以及两个毫无关联的事物是如何联结在一起的。」
斯库利的创作深受音乐和文学影响，他与同为爱尔兰籍的著名戏剧家、《等待戈多》的作者塞缪尔·贝克特和U2乐队主唱波诺的交往广为人知。
肖恩·斯库利希望通过艺术到达更好的世界，梦想有一个棕色的世界。「棕色的世界」是一种形象的表达，「我认为很多立场看起来很强硬，具有对立和冲突性，但它们同时也非常脆弱，不愿让步将成为它们致命的弱点。在我看来，在22世纪的新世界，我们都需要学会融合，学会接受不单纯的东西，不纯洁比纯洁更有意思，更有创造力。」
1945年，肖恩·斯库利出生于爱尔兰都柏林，战后的童年，一切都尚待恢复。奶奶是虔诚的天主教徒，总带着他去临时搭建的教堂做弥撒，教堂的屋顶由金属板铺成，下雨时雨水打在屋顶上的噼啪声，好似千军万马，而神父依然在讲道，好像在出演哑剧。「在一片雨水的寂静声中，一切都十分美妙，我对艺术的爱应该就起源于那时。」家境贫寒，年少的斯库利要为全家人补袜子。「它对我很有意义，缝补的过程就如同填空、愈合。我的作品也是如此，通过不断重复各种符号，寻找一种普世性，一种任何人看到就能理解的绘画语言。」
近些年，斯库利直接以地平线为主题进行油画创作，他还受古希腊多立克式建筑的影响进行了一系列创作。另一个转折点是孩子，2010年，肖恩·斯库利老来得子，孩子改变了生活，更改变了艺术创作。「孩子是我最伟大的创作。」肖恩自豪地说，「我是「超级奶爸」，对孩子的关爱甚至超过了他母亲。斯库利用在工作上的时间可能只有以前的一半，因为「陪伴孩子成长的机会仅此一次，非常宝贵。
1975年肖恩·斯库利刚到美国，「当时对我这样的欧洲人来说是最艰难的时期，尤其对历史文化遗产的冲击非常大。当时的美国社会非常野蛮、暴力且充满危险。」他说，「但这种动荡不安又非常吸引我，我将它形容为「达尔文式你死我活」的状态，当时我就决定尽量将作品的风格变得简约。我将这段经历形容为「矿工般的生活」，矿工肩负著开采的任务，不断发掘，我也是如此，并以此让精神层面更加稳定。美国文化对我的创作产生了非常大的影响，我也有意让自己去受美国影响。美国人直率的表达方式、敢于尝试的精神，特别是美国艺术作品的大规模和简约的创作手法，我将之与欧洲人的细腻敏感相结合，并运用到自己的创作中。」
肖恩·斯库利曾有过一个儿子，但于1983年去世了，这对他的打击是非常惨痛的。从作品中也可以看出来，当时他的作品色调都变得很暗，往往都带有一种悲哀的气氛，一直持续了30多年。2014，他的作品中重新出现了绿色，众所周知，绿色代表着美好和希望。
斯库利相信在众多现代绘画语言中，选择去延续「抽象语言」是因为它可以同时表达所有的东西，斯库利上大学的时候曾经读到过一句话，「时间的发明就是阻止所有的事情同时发生。」而抽象绘画就是试图在同一时间去诉说所有的事情。在去掉了所有有指代性的文本后，让人用第一直觉交流，提供完全开放的空间，「孩子们尤其喜欢我的作品，他们觉得那很像乐高（LEGO）玩具，拼接在一起。」
2010年，斯库利在63岁的高龄又喜得贵子，儿子的出生改变了他的生活，斯库利的时间完全被这个小男孩填满，「毫不夸张的说，有一半的时间是我在照顾儿子。」斯库利很自豪地说。
说到一天的工作安排，他只笑笑说已经无法去衡量，「当我早起准备在工作室工作一天时，只要儿子走过来要求我陪他玩，我就能放下手头上所有的事情去陪他。」再问到斯库利他最满意的创作是什么，他毫不犹豫的说「儿子就是我最伟大的创作。」
2020年12月18日，位居2020上海国拍·胡润全球艺术榜第45名。